科学者たちは最近 "ミュージックセンター" 食べ物や愛情など、私たちに喜びを与えてくれるものに対して同じように点灯する領域だ。
それで説明がつくだろう？
あるメロディーに鳥肌が立つのはなぜか？なぜ歌詞は、心の通い合う会話よりも胸を打つことが多いのか？
音楽とは、ギターを手にして育った人でなくても曲を作れるということだ。物語や感情、共有する価値のある思い出があれば、誰でもそれを音楽にすることができると私は心から信じている。
そしてこの記事では、あなた自身の音楽に命を吹き込むことができるよう、曲作りの方法をステップ・バイ・ステップで具体的に説明する。
曲構成の基本
どの曲も、歌詞、メロディ、コード進行、構成という、いくつかの核となる要素に集約される。
- 歌詞とは、あなたが歌の中で口にする言葉で、感情やストーリーを伝えるものです。
- メロディとは、その言葉をどう歌うか、人々が口ずさむ曲調のことだ。
- コード進行は、緊張感、希望、悲しみ、多幸感など、メロディが移動する感情的なムードです。
- そして構成とは、ヴァース、コーラス、ブリッジ、イントロ／アウトロなど、すべてをどのように構成するかということだ。
もちろん、ソングライターによってこれらの要素の使い方は異なるが、ビヨンセのバラードにも、誰かの寝室で録音されたインディーズ・トラックにも、これらの要素を見つけることができる。
様々な曲でそれらがどのように機能するかを理解すれば、自分で曲を作る方法を簡単に学ぶことができる。そして 検出不可能なAIチャット は、あなたの好きな曲を分析するのに役立ちます。
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"【アーティスト】の『【曲名】』という曲の構成を分解して、コード進行、構成、メロディ、歌詞のテーマは何か説明してください。"
では、それぞれの基礎的要素を掘り下げてみよう。
歌詞を作る
歌の歌詞は、最高の状態で、何気ない会話には大きすぎる真実を語っている。
力強い歌詞を書くための第一歩は明確さだ。自分の歌が何を伝えたいのかを知らなければならない。
自分の曲のエッセンスを正直な一文にまとめられないなら、それは真実の中に書くのではなく、真実の周りに書いているのだろう。
歌詞も具体的でなければならない。最も心に響く歌詞は、愛や痛みといった抽象的な概念に頼っていない。
その代わり、イメージを作り出す。"私は孤独だ "と "午前3時にベッドのあなたの側はまだ冷たい"、要するに同じ意味だが、聴き手に同じ感情を抱かせるのは全く違う。
メロディーの作曲
メロディーは曲の感情の脈動を伝える。最高のメロディーは、必然的でありながら意外性を感じさせる。期待感と解決感を生み出す。緊張感を高め、そして解放感を与える。
多くの点で、メロディーは聴き手を何度もその曲に戻りたいと思わせるものだ。
メロディーもまた、根底にある感情を反映する。勝利の賛歌を書くのであれば、力強く、上へ上へと動くラインと大胆な音程を求めることになるだろう。
同様に、親密な曲であれば、下降するパターンや、余韻を残して痛むような伸びのある音を探ることができる。
ハーモニーとコード進行の開発
力強い和声の内容は、機能的な和声の上に成り立っています。どのような和音が緊張を高め、どのような和音が緊張を和らげるかを学ぶ。
例えば、トニックに戻る直前にサスペンデッド・コードを加えると、期待感が高まる。
コードだけでなく、ボーカルのテクスチャーで遊ぶこともできる。メインのボーカルを2倍にし、その上や下に3分の1や6分の1を使って実験してみましょう。
ハーモニーは、感情のピークを強調するために控えめに使う。最後のコーラスは、豊かなハーモニーを導入する絶好の機会であることが多い。
曲のすべての部分を強調してしまうと、どの部分も目立たなくなってしまうからだ。
リスナーとつながる曲を書く方法
以前にも聞いたことがあるはずだ。 "曲作りに間違いはない"
それは事実だが、白紙のページを見つめていたり、同じ3つのコードを繰り返し叩いていたりすると、そのような開放的な自由は祝福というよりむしろ呪いのように感じられる。
そこで、初心者のための曲作りの方法をステップ・バイ・ステップで説明しよう。
ステップ1：シンプルなコードから始める
歌詞やメロディーを考える前に、基本的なコード進行をループさせる。これには音楽理論は必要ありません。
Em - D - C - Gのようなパレットでシンプルに始める。これらの4つのコードすべてを使ってもいいし、2つか3つを混ぜて使ってもいい：
- Em - D - C - G
- Em - C - G - D
- Em - Em - D - C
進行をループさせ、ゆっくり再生する。部屋でバイブしている間、バックグラウンドで流しておく。弾けば弾くほど、あなたの脳はメロディーを想像し始めるだろう。
ステップ2：メロディーが聞こえるまでハミングする
コードをサウンドトラックのようにループさせ、その上でナンセンスを歌い始める。文字通りだ。歌詞はまだ考えなくていい。ただ、ランダムに音を出したり、完全にちんぷんかんぷんな単語を並べたりして、曲のボーカルの形を作りましょう。
印象的なコーラスは、思いがけないときにパッと出てくることがよくある。同じ行を、あるバージョンでは上昇音で、別のバージョンでは下降音で歌ってみて、どちらが感情に合っているかを理解しよう。
構成的には、ヴァースとサビのメロディーの違いを明確にすることを目指す。一方は盛り上がり、もう一方は解放のように感じられるはずだ。
ステップ3：トピックを見つけ、それを中心に歌詞を作る
歌詞の書き方がわからない場合は、「この曲は、誰かが自分に対してゆっくりと愛想を尽かしていくのを見守る気持ちを歌っている」というように、曲の核となるアイデアを完全かつ具体的な文章で説明することから始めるといい。
この1つのアイデアが、あなたの歌詞のアンカーとなる。
コーラスの歌詞をそのアイデアに沿って作る。
コーラスは、あなたの歌の感情の要約である。誰かがサビだけを聴けば、メッセージの核心は伝わるはずだ。
一方、詩は細部を表現するためのものだ。それぞれが違った角度や瞬間を見せるべきだ。
ステップ4：メロディーに歌詞を合わせる
ランダムに、ちんぷんかんぷんな音でメロディーに戻り、本当の歌詞を入れ替え始める。
音節数と自然な単語のストレスは、メロディのリズムに合わせて流れるはずで、もしそうでなければ、そうなるまで書き直す。
もちろん、1回目でも2回目でも3回目でも、あるいは10回目でもうまくはいかないだろう。
同じセリフの複数のバージョンを、言葉を変えて録音してみる必要があるだろう。 検出不可能なAIチャット はこの段階で素晴らしいアシスタントとなるだろう。
というように、歌詞に手を加えるのに使う：
- 強引に聞こえない韻を踏んだ代替案を提案する
- 日常的なフレーズを使って鮮明なイメージを作り出す
- メロディーのリズムに合うまでフレージングを引き締める
ステップ5：構造を固定する
コード、メロディ、歌詞が揃えば、曲の完全な構成を形作ることができます。ここでは、基本的なテンプレートをご紹介します：
ヴァース - コーラス - ヴァース - コーラス - （ブリッジまたはブレイクダウン） - 最後のコーラス - アウトロ
意図的に長くするのでなければ、リプレイの可能性を最大限にするために、曲は2:30から4:00の間に収めましょう。
完成したら、誰かに聴かせてフィードバックをもらう。あるいは、ラフ・デモを録音し、数日間それでライブをする。
特定のジャンルに合う曲を書く
ソングライティングは、常に感情とコミュニケーションに基づいて構築される。そして曲の基礎、つまりコード、メロディ、構成、歌詞の意図は、ジャンルを問わず変わらない。
とはいえ、あるジャンルを探求すると、新しいツールや美学で遊ぶことになる。そこで、このセクションでは、以下を取り上げます：
- カントリーソングを作るには？
- ラップを書くには？
- ラブソングの書き方は？
カントリー・ソングの書き方
優れたカントリー・ソングは、日常のスナップショットや感覚的なディテールに根ざしている。構造的には、基本的なヴァース-コーラス-ヴァース-コーラス-ブリッジ-コーラスが、カントリー・ミュージックのフォーマットだ。
コードに関しても、G-C-D-EmやD-A-Bm-Gのような古典的な進行が、カントリー史上最高のヒット曲を生み出してきた。
他のどのジャンルよりも、カントリー・ミュージックは物語の明快さに依存している。歌詞を書く前に、具体的な思い出を思い浮かべなければならない。例えば、ケンカの後にポーチに座っているとか、昔の高校を車で通り過ぎたとか。
失恋、故郷、贖罪、自由、そして喪失は、カントリー・ミュージックが得意とする親しみやすいテーマだ。
ラップソングの書き方
良いラップはビートから始まる。適切なビートの例としては、以下のようなものがある：
- 内省のためのダークでスパースなビート
- 自慢話のための重低音ビート
- あるいは、物語を語るためのソウルフルで温かいビート。
そして、ヴァースなら16小節、コーラスなら8小節に区切り、それぞれの小節が次の小節に流れるようにする。
ラップの歌詞は、mental state / hesitate / ventilateのような多音節の韻を踏んでいる。同じ行の中で互いに響き合う内韻は、ラップ音楽のもうひとつの主要な側面である。
ほとんどのラップ曲は、詩とフックを交互に歌う。ソングライターが苦労するのは、特に最初のうちは、歌のデリバリーだ。
ラップを歌いながら、カデンツに変化をつけたり、ドラマチックな効果を出すためにポーズを入れたりする必要があるが、これは練習すればできるようになる。
ラブソングの書き方
カントリー・ソングと同様、ラブソングも、憧れ、熱愛、後悔、喜び、郷愁、失恋など、ひとつの核となる感情に支えられている。
Verse-Pre-Chorus-Chorus-Verse-Chorus-Bridge-Final-Chorusの構成は、感情のピークに向かって構築することができるため、多くのラブソングライターに使用されている。
例えば、緊張しているときに誰かがいつも髪を耳の後ろに寄せていることに気づいたり、映画の最中に相手がもうそこにいないのに本能的に手を伸ばしたりするような、特定の瞬間を通して普遍的な感情にズームインするのが最高のラブソングだ。
ラブソングのコード進行は、感情の深みに寄り添います。より深い憧れを引き出すには、Dsus2やAsus4のようなマイナーキーやサスペンデッドコードを導入するとよい。
デモを録音するあなたの歌に命を吹き込む
デモとは、あなたの曲の本質をとらえた、ラフだが意図的な録音にすぎない。
もし デジタルオーディオワークステーション (GarageBand、Logic、Abletonのような（DAW）なら最高だ。そうでない場合は、ボイスメモアプリやシンプルな4トラックレコーダーでもまずは使える。
手持ちの最高のマイクを使い、エコーを避けるため、静かで柔らかい内装の部屋で録音する。
基本的なリズム楽器を置き、曲全体の構成をそのまま録音する。そして、感情とフレージングに細心の注意を払いながらボーカルを録音する。
ここから徐々にレイヤーを追加していく。例えば、2番目のギター・パート、ハーモニー、シンプルなドラム・ループ、ベース・ラインなど、曲に役立つものなら何でもいい。
録音した曲を繰り返し聴き、必要なところを微調整する。
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よくある質問 (FAQ)
曲作りにはどのくらいの時間がかかるのですか？
曲を作るのに楽器は必要ですか？
いや、曲を作るのに楽器を演奏する必要はない。メロディーを口ずさんだり、歌詞を書いたり、リズムを刻んだりすることができれば、絶対に音楽を作ることができる。
自分の曲が良いかどうかは、どうすれば分かりますか？
いい歌は、あなたを勇気づける。ou 何かを、感情を、最も生々しい形でも感じることができる。信頼できる友人数人に聴かせ、それが彼らの頭に残ったり、反応を呼び起こしたりすれば、あなたは何かをつかんだことになる。
結論
ソングライティングは、生の感情、物語、アイデアを、他の人々が感じ、共感できる具体的な製品に変える芸術だ。多くの場合、それはふとしたひらめきから始まる。
このガイドでは、ゼロから曲を作る方法を学びました。しかし、曲作りに行き詰まりを感じたり、新たな視点が必要な場合は、いつでも以下を参考にしてください。 検出不可能なAIチャット.
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